"Soy Catalina de Salazar, mujer de Miguel de Cervantes", de José Manuel Lucía Megías

FICHA TÉCNICA:

Género: Teatro
Editorial: Huso

SINOPSIS: 

¿Y si Catalina de Salazar contara su vida con independencia, si nos dijera qué significó el encuentro con Miguel de Cervantes, el tiempo cómplice que compartieron, sus ausencias biográficas, sus éxitos literarios? ¿Y si además de ser la mujer de Cervantes se nos presentara «en primera persona», independiente, con sus dudas y con su universo personal? ¿Y si nos acercáramos a ella desde su propia luz y no desde la sombra? ¿Y si sus palabras estuvieran en documentos históricos y literarios? ¿Y si los espacios, las ciudades, las casas habitadas por Catalina de Salazar tuvieran palabras que eran suyas? El teatro convoca la memoria y la hace presencia, por eso este libro ha nacido como un monólogo teatral.

OPINIÓN:

¿Qué sabéis de Catalina de Salazar, la esposa de Miguel de Cervantes?

José Manuel Lucía Megías nos invita a conocer a esta gran mujer en su monólogo teatral «Soy Catalina de Salazar, mujer de Miguel de Cervantes».

La propia Catalina nos cuenta su vida en esta soberbia obra en la que nos desvela cómo conoció a Miguel de Cervantes; las alegrías y penurias que compartieron y cómo ha sido su vida desde que él falleció.

Una obra que pone el foco en Catalina como mujer y no como sombra de Miguel de Cervantes, para desvelarnos la vida de una dama adelantada a su tiempo.

Ana G. Aranda

"El zoo de cristal / Un tranvía llamado Deseo", de Tennessee Williams

FICHA TÉCNICA:

Género: Teatro
Traducción: Amado Diéguez

Editorial: Alba

SINOPSIS:

En este volumen se reúnen los dos primeros éxitos de Tennessee Williams, que irrumpieron en la escena norteamericana con el propósito de «sustituir al teatro ya agotado de las convenciones realistas». El zoo de cristal (1945), fue el primer intento de su autor de crear un «teatro plástico»: una «obra de recuerdos», construida alrededor de una pequeña familia empobrecida, cuyos miembros se aferran al sueño o al pasado, y en donde la supervivencia sólo será posible a través de la traición, se presenta aquí en su texto original, con indicaciones rara vez seguidas por los directores de escena pero muy expresivas del concepto poético de la obra. La mítica Un tranvía llamado Deseo (1947), cuyo primer montaje, dirigido por Elia Kazan, fue, según Arthur Miller, «el fruto más espléndido» del método Stanislavski, «una forma de realismo tan profundamente sentida que era capaz de manifestarse como estilización», es asimismo una tragedia sobre la pérdida y la locura, y sus personajes siguen justificando la atracción y el poder que todavía ejercen entre el público y en todos los actores y actrices de nuestra época.

OPINIÓN:

“Un tranvía llamado Deseo” es una obra de teatro que se plantea en once escenas y se sitúa en un barrio obrero de Nueva Orleans, donde viven Stella y su marido Stanley Kowalski. La llegada de Blanche DuBois, la hermana de Stella, causa un pequeño terremoto, y el choque de caracteres entre Blanche y Stanley es inmediato.
De la obra destacaría sus personajes, de gran profundidad, sobre todo Blanche, pero también Stella y Stanley tienen sus claroscuros con momentos ambiguos y muy humanos. En mi opinión el personaje de Blanche y lo que descubrimos de ella forman el centro de la historia, intensa, triste y brutal, con giros inesperados y un desenlace impactante. Los remordimientos y el contraste entre realidad e ilusiones son superiores a lo que la naturaleza de Blanche le permite soportar.
Me quedo con estas dos frases de la introducción como resumen: “Un tranvía se aproxima a la tragedia, y su sombrío final es implacable” y “el individuo herido frente a las injusticias de una sociedad brutal”.
Con esta obra el autor obtuvo el Premio Pulitzer en la categoría de Drama en 1948. En mi opinión, excelente.

“El zoo de cristal” (1944) fue escrita y representada unos años antes que “Un tranvía llamado Deseo” (1947). En mi caso la he leído en segundo lugar y para mí no tiene punto de comparación.
La acción se divide en siete escenas y se sitúa en el piso de los Wingfield, en la ciudad de St. Louis. Amanda es una mujer dominante que siente nostalgia de su juventud y pretende dirigir la vida de sus hijos. Laura es terriblemente tímida y su mayor interés parece ser su colección de figuritas de cristal. Tom trabaja en un almacén, pero sus sueños lo llevan mucho más lejos.
Aparte de fragmentos interesantes, como esa pequeña lección de confianza en sí misma que le da Jim a Laura, nuevamente destaca el choque entre realidad y aspiraciones de los personajes.
Aunque en mi opinión sobresale con diferencia “Un tranvía llamado Deseo”, no me arrepiento de haber leído “El zoo de cristal”, una lectura también interesante, que, como dice en la introducción: “El zoo es la historia de los miembros de una familia cuyas vidas forman un triángulo de pacífica desesperación”.

Esther Rodríguez

"El verdugo de Sevilla", de Pedro Muñoz Seca y Enrique García Álvarez

FICHA TÉCNICA:

Género: Teatro
Editorial: Biblioteca Nueva

SINOPSIS: 

En la España del 98, el teatro era una de las grandes pasiones nacionales. Esta colección ofrece al lector actual los textos básicos de este teatro, con una introducción crítica y unas propuestas para su puesta en escena, hoy.
"El verdugo de Sevilla" es uno de los mejores ejemplos de ese humor disparatado que triunfó en los escenarios españoles desde comienzos de siglo. 
Andrés Amorós ("Introducción") es Catedrático de Literatura Española en la Universidad Complutense de Madrid y escritor.
José Luis Alonso de Santos ("Orientaciones para el montaje") es uno de los más destacados autores del teatro español actual, además de director de escena y Catedrático de la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid.

OPINIÓN:

“Casi sainete en tres actos y en prosa” reza el subtítulo de la obra. Los tres actos de la obra se sitúan el primero en Madrid, en una casa de huéspedes donde se alojan la mayoría de los personajes, y los otros dos en Sevilla, en el patio del Hotel Abderramán, donde se trasladarán algunos y aparecerán otros nuevos. 
En la obra se conjugan varios elementos que la hacen muy interesante: muchos personajes –más de veinte, algunos bastante peculiares–, varias tramas paralelas que se entrelazan, situaciones cómicas –disparatadas y absurdas algunas–, divierte también cómo se plasman las distintas hablas –el acento andaluz, un inglés que pasa la Semana Santa en Sevilla o un artista de circo italiano–, crean un conjunto divertido, entretenido y muy recomendable.

Esther Rodríguez

"La venganza de Don Mendo", de Pedro Muñoz Seca

FICHA TÉCNICA:

Género: Teatro
Editorial: Austral

SINOPSIS: 

Escrita en los medios normales de la poesía dramática española, la comedia es un alarde del ingenio versificador de su autor, que demuestra en ella su dominio tanto de los distintos tipos de versos, como de los más variados recursos humorísticos. Las rimas insólitas, los juegos de palabras y los anacronismos hábilmente combinados provocan en el espectador –y en el lector– una carcajada casi continua. 
Pedro Muñoz Seca nació en El Puerto de Santa María (Cádiz) en 1881 y murió en 1936. Fue abogado y profesor, pero su gran vocación era el teatro y, sobre todo, los géneros humorísticos. Cultivó la sátira y la parodia, y fue creador del astracán. Sus numerosísimas comedias obtuvieron grandes éxitos, y, muy especialmente La venganza de Don Mendo que, desde su estreno en el madrileño Teatro de la Comedia en 1918, no ha dejado de representarse y de aplaudirse por toda la geografía nacional. 

OPINIÓN:
Coincidiendo con el centenario del estreno de la obra teatral me he animado a leerla. Dividida en cuatro actos, en ella se narran las desventuras de Don Mendo, noble caballero traicionado por su amada. Una parodia dramática e ingeniosa en que personajes, situaciones y versos llevan a la risa. Y en ella bien se podría usar la expresión “muere hasta el apuntador”, porque van cayendo como moscas... Ha sido una grata sorpresa, se lee en un rato, y es amena y fácil de leer. Muy recomendable.

Esther Rodríguez

"Harry Potter y el legado maldito", de J. K. Rowling, John Tiffany y Jack Thorne

FICHA TÉCNICA:

Género: Teatro
Traducción: Gemma Rovira Ortega

Editorial: Salamandra

SINOPSIS:

Ser Harry Potter nunca ha sido tarea fácil, menos aún desde que se ha convertido en un ocupadísimo empleado del Ministerio de Magia, un hombre casado y padre de tres hijos.
Mientras Harry planta cara a un pasado que se resiste a quedar atrás, su hijo menor, Albus, ha de luchar contra el peso de una herencia familiar de la que él nunca ha querido saber nada. Cuando el destino conecte el pasado con el presente, padre e hijo deberán afrontar una verdad muy incómoda: a veces, la oscuridad surge de los lugares más insospechados.
Harry Potter y el legado maldito es una obra de teatro de Jack Thorne basada en una historia original de J. K. Rowling, John Tiffany y Jack Thorne. Es la octava historia de la saga de Harry Potter y la primera que se representa oficialmente en los escenarios. Esta edición especial del texto teatral acerca a los lectores la continuación del viaje de Harry Potter, sus amigos y familiares, inmediatamente después del estreno mundial de la obra en el West End de Londres el 30 de julio de 2016.
La obra de teatro Harry Potter y el legado maldito está producida por Sonia Friedman Productions, Colin Callender y Harry Potter Theatrical Productions.

OPINIÓN: 

Resulta entrañable volver al mundo de Harry Potter y a sus personajes más conocidos. Han pasado años desde su última aventura y en ésta ya aparecen miembros de la siguiente generación. Especial protagonismo tienen Albus Potter y su amigo Scorpius, cuyas acciones pondrán en peligro lo que sus padres habían logrado en el mundo mágico.
Hay que tener en cuenta que no es una novela, sino una obra de teatro. Personalmente me ha gustado mucho, aunque entiendo que pueda disgustar a quien no sepa apreciar lo que implica el formato teatral.
Con una argumento sencillo, que recupera algunas escenas cronológicamente anteriores, nos sumergimos en una nueva historia con viejos y nuevos personajes, que aunque no tiene la misma intensidad ni extensión que las novelas, nos traslada con nostalgia a ese mundo que muchos habíamos disfrutado en su momento. Recomendable para los entusiastas de Harry Potter.

Esther Rodríguez

"El rey Lear", de William Shakespeare

FICHA TÉCNICA:

Género: Teatro
Traducción: Javier Montes
Editorial: Gredos

SINOPSIS:

"El rey Lear" trata básicamente de la ingratitud filial, así como de la locura y la vejez. En esta tragedia de Shakespeare también se aborda el tema de que el mal no es únicamente externo. Hay algo en la forma de ser del protagonista que contribuye a su propia destrucción.

OPINIÓN:

Es una obra de teatro estructurada en cinco actos y cuya acción se desarrolla en Britania. Lear, rey de Britania y ya anciano, decide dividir su reino y repartirlo entre sus tres hijas en función del amor que cada una le profesa. Preguntadas por el amor que sienten hacia su padre, las dos hijas mayores lo halagan en desmesura, mientras que la hija menor es incapaz de expresar en palabras lo que siente. El rey, dejándose llevar por las apariencias, deshereda y rechaza a Cordelia, iniciándose aquí una historia que terminará en tragedia.
En realidad se desarrollan dos tramas paralelas, entrelazadas y con bastantes puntos en común. Por un lado la de Lear, abandonado por dos de sus hijas y amado por la tercera, y por otro la del conde de Gloucester, que por un camino similar acaba traicionado vilmente por uno de sus descendientes. El fin de ambos es duro y terrible, y en él tienen cabida escenas de la máxima crueldad.
Con sus versos Shakespeare es capaz de transferir intensos sentimientos a sus personajes y provocar interesantes reflexiones al lector/espectador, pues no deja de ser una historia peculiar, personajes malvados capaces de cualquier cosa para conseguir poder, nobles que viven como mendigos para sobrevivir, reyes que no tienen donde cobijarse y caen en la locura para soportar el sufrimiento… Maldad, dolor, pérdida, ingratitud, locura, amor, la obra resulta un pequeño compendio de las miserias y grandezas –más lo primero, sin duda- del ser humano.
Muy interesante también la introducción del traductor, con explicaciones sobre la tradición teatral en Inglaterra en los siglos XVI y XVII, una pequeña biografía del autor y un análisis de la obra de teatro en sí –que afortunadamente he leído al finalizar el libro, pues desvela ampliamente el argumento-.
Aunque no suelo leer teatro, y a pesar de su enorme dramatismo, esta obra se lee bien y me ha gustado mucho.

Esther Rodríguez

"El abanico de Lady Windermere", de Oscar Wilde

FICHA TÉCNICA:

Género: Teatro

Traducción: Ricardo Baeza

Editorial: Espasa

SINOPSIS:

Lady Windermere descubre que su marido puede estar manteniendo una relación con otra mujer. La duquesa de Berwick es la que ha delatado al marido. Lady Windermere se enfrenta a su esposo y le pide explicaciones, pero éste rechaza las acusaciones e invita a la supuesta amante, Mrs Erlynne, al baile de cumpleaños de su mujer. Ultrajada por la infidelidad de su marido, Lady Windermere decide abandonarlo para seguir a Lord Darlington, un amigo que acaba de confesarle su amor.

OPINIÓN:

Me declaro fan incondicional de Wilde. Después de haber leído varios obras suyas, pienso que este hombre nació en época equivocada, si bien, supongo que si ahora levantara la cabeza, volvería al hoyo ipso facto, pues el mundo sigue siendo tan superficial como él lo conoció. Lo único que cambia ahora son las formas de comunicarse que se han multiplicado y hacen más evidentes las hipocresías y falsedades.
Por lo que se refiere a la obra, es un escrito divido en cuatro actos, de lectura breve y ágil. En ella, Wilde, nos presenta un grupo de personajes pertenecientes a la creme de la sociedad inglesa, tienen dinero, su casa en el campo, y su mayor problema es encontrar un buen consorte para sus descendientes. Lo importante son las buenas relaciones públicas, lo demás queda en casa, para uno mismo.
Lady Windermer es una mujer joven, casada recientemente con Lord Windermer, quien, según algunos chismorreos, tiene una estrecha relación con Mistress Erlynne.
A partir de aquí, la situación se enreda cuando Lord Windermer invita a Mistress Erlynne a la fiesta de cumpleaños de Lady Windermer y el abanico que había regalado Lord Windermer a su mujer, aparece en las habitaciones de Lord Darlington.
No voy a desvelar más de la trama, pero Wilde traza aquí una buena historia de enredos como bien saben hacer los escritores ingleses.
Y lo mejor es el punto satírico, para muestra los distintos caracteres de los personajes. Lord Darlington es un poco como “Lord Henry” (personaje de Dorian Gray), un tipo que pone patas arriba al mundo con sus aseveraciones, un papel que comparte con Lord Augusto o Mister Cecilio. Lord Windermere es formal, serio y su mujer conserva aún una ingenuidad casi adolescente.
Por otro lado, la Duquesa de Berwick es un ejemplo de esa sociedad que Wilde deploraba. Una mujer decorosa de puertas afuera, pero muy prejuiciosa y controladora por dentro.
No es lo mejor que he leído de Wlde, “La importancia de llamarse Ernesto” me pareció más divertida y, en general, esta y “El retrato de Dorian Gray”, a mi juicio, son más completas que “El abanico de Lady Windermer”. Pienso que el ingenio de Wilde se encuentra diluido en “En el abanido de Lady Windermer”, respecto a las anteriormente citadas. Pese a ello, recomiendo esta y cualquier lectura de Oscar Wilde.

Dolors Martínez

"La tempestad", de William Shakespeare

FICHA TÉCNICA:

Género: Teatro

Traducción: Luis Astrana Marín

Editorial: Alianza

SINOPSIS:

Última obra teatral escrita en solitario por William Shakespeare (1564-1616), "La tempestad" pertenece a la serie de piezas de este autor que funden el ámbito de lo real con lo mágico y lo maravilloso. La trama gira en torno a Próspero –duque y mago, quien, traicionado y depuesto, tiene que exiliarse, con su hija Miranda, en una isla desierta en la que pasará doce años– y su relación con el genio Ariel y el bestial Calibán, personajes todos que se cuentan entre las grandes creaciones del dramaturgo. El examen de la relación entre realidad y ficción –«estamos tejidos de idéntica tela que los sueños»–, así como entre el hombre y mago y las criaturas a las que libera, pero también somete, otorgan a «La tempestad» un lugar entre las obras más universales del autor inglés.

OPINIÓN:

"La tempestad" es una obra de teatro corta, estructurada en cinco actos y que se desarrolla en dos escenarios distintos, en un barco y en una isla, supuestamente ubicada entre Italia y Túnez.
Esta es una historia agridulce, en la que intervienen el anhelo por el poder, la ambición, pero también el amor y el perdón. Asimismo, en ella Shakespeare aúna magia y realismo con sencillez.
Próspero es el señor del ducado de Milán, hasta que su hermano se lo arrebata en confabulación con otros vasallos. No contentos con eso, Próspero, además, será “desterrado”, junto a su hija Miranda, en una isla habitada por Calibán, un ser extraño. Allí Próspero desarrollará los métodos para castigar a los traidores y recuperar su estatus.
Ha sido una lectura interesante, porque, a excepción de “Romeo y Julieta”, poco más conocía de los escritos de Shakespeare. Me imaginaba como debía ser escribirlo en su época, mientras leía. E igualmente, ratifico, me gusta leer teatro, es ágil y divertido.

Dolors Martínez

Reseñar a Shakespeare es una osadía y una temeridad, máxime cuando no se es especialista en el tema y se ha leído tan poco de él como yo (sólo El mercader de Venecia, también en edición bilingüe de Castalia, que por cierto recomiendo encarecidamente).
Y aunque haya visto casi todas las películas basadas en sus obras (algunas estupendas, otras inefables) he llegado a una etapa en la que me apetece mucho más leerlas.
Así, con veneración pero también con curiosidad, me adentro en La Tempestad, catalogada como la más singular de sus piezas teatrales, para, una vez gozada, declararme de nuevo fan irredenta de los versos del bardo inglés.
La Tempestad se desarrolla en una isla desierta habitada por náufragos de personalidad singular, espíritus y monstruos enredadores, donde la magia, lo onírico y la belleza virginal son los ingredientes de una aterradora venganza.
Varias cosas me han llamado la atención: una, la crueldad inusitada del plan de Próspero; la segunda, el humor insolente e incluso procaz de los personajes cómicos que contrarrestan la tensión dramática. Son diálogos repletos de doble sentido difícil de pillar si no se lee una edición anotada. Sin duda permitían al autor conectar fácilmente con el público y deslizar también críticas que de otra manera no hubieran pasado la censura. Y, por último, la metáfora sobre la población del Nuevo Mundo que da sentido a la obra y le confiere un aspecto de absoluta Modernidad.
Me gustaría con esta reseña animaros a leer teatro. Sé que es infinitamente mejor verlo representado (ese es su objetivo), pero leerlo te permite saborear un texto que ofrece genialidades como ésta, que seguro que os suena:

“Estamos hechos de la misma materia de los sueños, y nuestra pequeña vida cierra su círculo con un sueño”

Otra curiosidad:
“¡Oh mundo nuevo y espléndido, qué bellas son tus gentes!” En inglés es “O brave new world…” Quizás les suene a aquellos que han leído la archiconocida “Un mundo feliz” de Aldous Huxley, pues es su título original (reclamaciones, al traductor).

Y ahora permitidme una “frikada”. Trínculo halla a la criatura monstruosa de la isla, Calibán, y así dice:
“¿Es esto hombre o pescado?
¿Estará vivo o muerto? ¡Pescado es!
O por lo menos a pescado huele. Olor
Muy proverbial es éste del pescado,
Olor como el de un merluzo no muy fresco…”

Si esto no es Gollum, yo no soy Loro.
Pondría la mano en el fuego a que Tolkien se inspiró en la naturaleza servil y resbalosa de Calibán para dibujar a Gollum.
Piérdanle el miedo a leer teatro y déjense arrastrar por ese gran conocedor de la condición humana que es Shakespeare. No sólo deleitarán su oído, sino que se sorprenderán a sí mismos identificándose con personajes y pensamientos. ¡Es tan universal y a la vez tan contemporáneo!

NOTA BENE: Recomiendo leer a Shakespeare en ediciones bilingües, se disfruta mucho más. Yo he leído la edición de Cátedra, con traducción del Instituto Shakesperiano. Casi tanto o más que la propia obra me han gustado la jugosa introducción y los interesantes apéndices. 

Loro Flint

"La importancia de llamarse Ernesto", de Oscar Wilde

FICHA TÉCNICA:

Género: Teatro

Traducción: J. Pérez Martín

Editorial: Mestas Ediciones

SINOPSIS:

Algernon (con Bunbury), joven aristócrata londinense, y su mejor amigo, Jack Worthing (con Ernesto), fingen tener un amigo, en un lugar distinto al que se encuentran. Cada vez que uno de ellos quiere evitar una obligación social, le hace una visita a su "amigo enfermo o lejano". Así pueden fingir piedad y dedicación, mientras tienen la excusa perfecta para salir de la ciudad o del campo, evadiendo sus responsabilidades. Algernon llama a esta práctica "bunburyzar".

OPINIÓN:

Esta pieza de teatro apareció publicada por primera vez con el título original de The importance of being earnest, atendiendo a un juego de palabras en inglés entre earniest, que significa serio o formal y el nombre de Ernest que suena igual. Y es que Wilde usaba los motes y vocablos con ingenio, queda demostrado de antemano en este texto desde un principio, esto da una idea, a quien lo lea, de lo que se puede esperar. Desde luego yo escogí la obra porque pensaba que iba a divertirme, y así fue en buena medida.
Me he podido reír sobre todo con las ocurrencias y razonamientos de Angy, a quien considero el “Lord Henry” de este escrito (Lord Henry es el personaje más amoral, controvertido, de “El retrato de Dorian Gray”). De hecho, todos los personajes hacen gala de un carácter frívolo, no tienen vergüenza al decir lo que piensan o en descubrir las intenciones de unos y de otros.
Otro aspecto que me ha gustado, además de la gracia y soltura de los personajes, es que, en el fondo, Wilde está representando el nivel cultural y educativo de la sociedad de su época, todo en su estilo satírico. No tiene desperdicio las alusiones a la literatura moderna, en general, los comentarios de Algy sobre sus parientes o las consideraciones de Lady Bracknell a la hora de encontrar un buen partido para su hija.
Es una lectura ligera y divertida. Nadie podía imaginar que, poco después, el autor sería condenado a varios años de trabajos forzados y ya no sería el mismo. Estas circunstancias me hacen pensar en las palabras de Wilde, mejor dicho de Lord Henry, en “El retrato de Dorian Gray”: "La humanidad se toma demasiado en serio. Es el pecado original del mundo. Si los cavernícolas hubieran sabido reír, la historia habría sido distinta".

Dolors Martínez

“Esperando a Godot”, de Samuel Beckett

FICHA TÉCNICA:

Género: Teatro

Traducción: Ana Mª Moix

Editorial: Tusquets

SINOPSIS:

Cuando en 1953 se estrenó en París "Esperando a Godot", casi nadie sabía quien era Samuel Beckett, salvo, quizá, los que ya lo conocían como ex secretario de otro irlandés, no menos genial, James Joyce. Por aquellas fechas, Beckett tenía escrita ya gran parte de su obra literaria ; sin embargo, para muchos, pasó a ser «el autor de Esperando a Godot». Se dice que, desde aquella primera puesta en escena -que, realizada por el gran Roger Blin, causó estupefacción y obtuvo tanto éxito- hasta nuestros días, no ha habido año en que, en algún lugar de nuestro planeta, no se haya representado Esperando a Godot. ¡Más de cuarenta años en los escenarios del mundo! El propio Beckett comentó en cierta ocasión, poco depués de recibir el Premio Nobel de Literatura en 1969, que "Esperando a Godot" era una obra «horriblemente cómica». Sí, todo lo horriblemente cómica que puede resultar, a fin de cuentas, la angustiosa situación límite de dos seres cuya vida y grotesca solidaridad se forjan el la absurda y vana espera de ese quién sabe qué (o quién) al que llaman Godot…

OPINIÓN:

“Esperando a Godot” es una obra corta de teatro. Escrita por el autor irlandés Samuel Becket, su contenido es de carácter existencial, un reflejo del absurdo de la vida humana.
El texto se divide en dos actos y sus protagonistas son dos vagabundos, Vladimir (Didi) y Estragón (Gogo). Las escenas se desarrollan en un camino rural con la única presencia de un árbol. Ambos esperan la visita de un tal Godot con el que, supuestamente, tienen una cita concertada en ese mismo lugar. Godot nunca se presenta, y no sé llega a conocer detalles de su persona. Quienes si llegan son otros dos hombres, Pozzo y Lucky, que hacen la función de amo y servidor, respectivamente. 
Entre Didi y Gogo y posteriomente entre ellos dos y Pozzo, se producen conversaciones sobre distintos temas, los cuales fluyen de forma deshilvanada, casi incomprensible. Las alusiones a cuestiones sociales son sutiles, hay que prestar atención.
La historia concluye igual que empezó, transmitiendo soledad y desolación. 
Me ha parecido una obra para releer. No es que me haya gustado especialmente pero supongo que se necesita más de una lectura para entender las diversas connotaciones de lo que quiso plasmar el escritor. La recomiendo solamente por quien tenga curiosidad.

Dolors Martínez

"Las brujas de Salem", de Arthur Miller

FICHA TÉCNICA:

Género: Narrativa

Traducción: José Luis López Muñoz

Editorial: Maxi Tusquets

SINOPSIS:

Las brujas de Salem: En 1692, en la localidad de Salem, pacífica pero sofocante debido a la religiosidad estricta que rige su vida cotidiana, corre el rumor de que una joven ha hecho un obsceno maleficio. Los habitantes se acusan unos a otros, y se inicia un juicio que tal vez propicie temibles venganzas... Miller concibió Las brujas de Salem en la época negra de la «caza de brujas» desplegada en Estados Unidos durante el macarthismo. 

OPINIÓN:

Es una obra de teatro publicada en 1953 que se inspira de eventos y personas reales : los juicios de brujas de Salem en 1692 y sus victimas. Vemos como la histeria colectiva, la paranoia y las sospechas se apoderan del pueblo, tras las acusaciones de un grupo de niñas, y como algunas personas intentan resistir esta locura y denunciar la poca legalidad de los arrestos y de los interrogatorios. Es un libro que puede tener doble lectura ya que Miller lo escribió para denunciar el Macarthismo. Se ataca a lo que puede pasar cuando una parte de la sociedad está considerada diabólica, a menudo por tener opiniones diferentes, y que el poder está entre manos de unos pocos. Es una lectura muy interesante y poderosa, la recomiendo.

Marie-Loup Raffestin

“La gata sobre el tejado de zinc caliente”, de Tennessee Williams

FICHA TÉCNICA:

Género: Teatro

Traducción: Juan Ribalta

Editorial: Losada

SINOPSIS:

"La gata sobre el tejado de zinc caliente" es una de las obras maestras de Tennesse Williams. Expresa su visión de los oscuros y primitivos elementos que acechan bajo la superficial civilización del Sur norteamericano. Una calurosa noche de verano en la residencia de una riquísimo plantador de algodón del Mississippi, una familia presa del pasado se desintegra entre acusaciones de lujuria, codicia y envidia... Se estrenó en el Teatro Morosco de Nueva York, en 1955, con Burl Ives en el rol de Gran Papá y Ben Gazzara en el de Brick, bajo la dirección de Elia Kazan. Con Elizabeth Taylor en el papel de Margaret llegó al cine en 1959, dirigida por Richard Brooks.

OPINIÓN:

Es una obra de teatro de tres actos, la escena se desarrolla en la vivienda de una de las plantaciones de algodón más ricas del delta del Missisipi. Asimismo, la acción transcurre en unas horas, durante la celebración del cumpleaños del abuelo, el propietario y señor de las tierras, cuya salud ha menguado en los últimos tiempos. En la casa se encuentran el abuelo y la abuela, Gooper, el primogénito del matrimonio, con su esposa Edith y sus cinco hijos, Brick, el hijo menor, y su esposa Maggie (no tienen hijos). Es una historia familiar en la que la cuestión hereditaria hará desatar la tormenta –la tensión se palpa en el ambiente- y pondrá de manifiesto las falsedades y avaricia de los presentes. De los personajes destaca el matrimonio formado por Brick y Maggie, la gata. Él es un hombre hastiado de la vida y de sí mismo, que se ha dado a la bebida, Maggie es una mujer fuerte, temperamental, dispuesta a no rendirse y a no perderle. 
Esta es la tercera obra de teatro que leo en este año –las otras dos fueron “Casa de muñecas”, de Henrik Ibsen y varias piezas de Antón Chejov, entre ellas “La gaviota”-. En comparación, el escrito de Tenesse Williams me ha gustado en mayor medida que el de Ibsen o Chejov, pues no tiene un carácter tan melodramático en la expresión de los personajes contenida en los diálogos, además de que denota una carga psicológica más marcada.

Fragmento:

"MARGARET: [...] Si pensara que no me ibas a volver a amar, que nunca más ibas a tenerme entre tus brazos para besarme, bajaría corriendo a la cocina, cogería el cuchillo más grande que encontrara, y me lo clavaría en el corazón... te lo juro, como también te juro que yo no abandono la partida tan fácilmente. Continuaré en la lucha hasta el último segundo, y venceré. Estoy segura. ¿Sabes cuál es la mayor victoria de una gata sobre un tejado de zinc caliente? Resistir en él todo el tiempo que le sea posible, hasta el último segundo. […]"

Dolors Martínez

Tengo un recuerdo muy vago de la película basada en esta obra de teatro: "La gata sobre el tejado de zinc caliente" (1958) dirigida por Richard Brooks y protagonizada por unos bellísimos Elizabeth Taylor y Paul Newman.

Nunca he visto su representación teatral, pero al leerla me he creado la necesidad de verla. Imaginar las escenas y diálogos escritos por Williams ha sido un placer que casi me permitía estar sentada en una butaca contemplando el escenario y a los actores y actrices.

Esta edición ofrece la versión definitiva fijada por el autor en 1974 (la corrigió varias veces).

Es una obra dividida en tres actos, con un solo escenario y una única línea temporal.

La acción se desarrolla íntegramente en uno de los dormitorios de la mansión de una plantación del Delta del Mississippi. Una familia celebra el cumpleaños del patriarca de la misma mientras ocultan el secreto del cáncer que pronto acabará con la vida de éste.

Durante esta celebración, en un ambiente cargado de tensión, varios son los personajes que intervienen en la obra, pero todo gira en torno a los intereses, más o menos lícitos, de cada uno de ellos. Creo que estamos ante un perfecto reflejo del alma humana, su egoísmo y sus desesperanzas.

Trata también temas como la lealtad, la ambición, la fidelidad, y aborda descaradamente (no olvidemos que está publicada en 1955 en EEUU de América) el tema de la homosexualidad.

Tiene unos diálogos realmente buenos. Algunos de ellos de un veneno y cinismo que sonrojan.

Algo que me ha gustado especialmente es que, aunque ciertas cosas quedan bastante claras, el autor no te da todo hecho; deja cosas en el aire, sin confirmar, para que la lectora llegue a sus propias conclusiones.

En el primer acto, son protagonistas Brick y Maggie -hijo y nuera del cumpleañero (El Abuelo)-. Brick es una persona apática a la que nada le importa, se ha refugiado en el alcohol para no sentir. Su mujer, Maggie, que no ha tenido una vida fácil, no está dispuesta a contemplar sin hacer nada cómo los oportunistas de sus cuñados les arrebatan la herencia familiar a la que -según ella- tienen derecho. Ambos ocupan el escenario entre la pasión de una y la pasividad e indiferencia del otro.

El segundo acto es quizá la parte más "filosófica" de la obra; una larga conversación entre Brick y El Abuelo en la que se tratan y esclarecen más de un asunto.

En el tercer acto ya aparece el plantel completo de actores y actrices y la tensión va en aumento. Hay diálogos, gestos y situaciones fantásticas.

A modo de conclusión: he disfrutado muchísimo esta lectura a pesar de no ser el teatro uno de mis géneros favoritos, creo que es un clásico que hay que leer. Parafraseando al autor: "['Una gata sobre un tejado de zinc' es] un estudio desnudo de la vida."

Verónica Hernández

“Casa de muñecas”, de Henrik Ibsen

FICHA TÉCNICA:

Género: Teatro

Traducción: Christian Kupchik

Editorial: Losada

SINOPSIS:

La acción de "Casa de muñecas" (1879) tiene como protagonista a Nora, una mujer que simula estúpida frivolidad pero que en verdad es inteligente y aguda. Nora se vio forzada años atrás a recurrir a una artimaña financiera para costear un viaje en salvaguarda de la salud de Helmer, su marido, al tiempo que su padre se hallaba moribundo. A medida que la tensión del conflicto va in crescendo, la monotonía burguesa de la protagonista se va convirtiendo en un nudo corredizo que va dejándola sin aire. Ante su impotencia, observa la imposición de todo un mundo de valores contradictorios que amenazan su idea de felicidad. Teatro de ideas, pero intensamente dramático, la obra del noruego Henrik Ibsen (1828-1906) ha influido profundamente en la evolución de la escena europea contemporánea.

OPINIONES:

Es una obra de teatro breve que, mediante unos diálogos ágiles y concisos, retrata la condición de la mujer casada en la sociedad europea del siglo XIX. Fue escrita y representada por primera vez en esta misma época –segunda mitad del siglo XIX-, donde la mujer se perfilaba como un ser abnegado al matrimonio, al cuidado de la casa, de la familia, cuyos actos necesitaban de la protección y aprobación por parte de los hombres, los encargados de hacer carrera y traer el sustento a casa. En otras palabras, la mujer era tratada y vista como un ser de edad inmadura, sin que ello le eximiera del deber para con su entorno y de ser juzgada por sus actos, si fuera necesario. 
Nora, la protagonista, es una ama de casa entregada a su marido y a sus dos hijos e hija, una mujer de apariencia infantil, caprichosa y malgastadora. Todo cambia cuando se ve envuelta en una serie de situaciones y hechos que la abocan a plantearse su lugar. Su existencia ha estado guiada para y según las normas e ideas de los hombres de su vida –su padre y su marido después-, manejada como una muñeca por los deseos de ellos. De ahí el título de la obra que simbólicamente hace referencia a las mujeres que ceden su propio camino para entregar su vida en pro de otros y se ven sometidas al capricho de los hombres. 
Debió ser una obra subversiva para la época, lamentablemente, en la actualidad, aún subsisten gran cantidad de marcos ideológicos y sociales que amparan la desigualdad de la mujer frente al hombre. Le doy un 7.

Fragmentos:

"HELMER:
Nora, Nora, eres una verdadera mujer. En serio, mujer, ya sabes mis ideas respecto de este punto. Nada de deudas; nada de préstamos. En la casa que depende de deudas y préstamos se introduce una especie de esclavitud, cierta cosa de mal cariz que previene. Hasta ahora nos hemos hecho firmes, y seguiremos haciendo otro tanto durante el tiempo de prueba que nos queda.
HELMER (Sonriendo):
Si supieras emplear el dinero que te doy y comprar efectivamente alguna cosa, sí, pero desaparece en la casa, se evapora en mil pequeñeces, y luego tengo que volver a aflojar la bolsa.
NORA: ¡Qué cosas tienes, Torvaldo!
HELMER: Es la pura verdad, Norita mía. (Le rodea la cintura con un brazo). El estornino es muy precioso, pero necesita tanto dinero... ¡Es increíble lo que le cuesta a un hombre poseer un estornino!
NORA: ¡Anda! ¿Cómo te atreves a decir eso? Yo ahorro cuanto puedo.
HELMER: ¡Oh!, eso es indudable. Todo lo que puedes, sólo que no puedes nada.
[...]
HELMER:
Me has amado como una buena esposa debe amar a su marido; pero flaqueabas en la elección de los medios. ¿Crees tú que yo te quiero menos porque no puedas guiarte a ti misma? No, no, confía en mí: no te faltará ayuda y dirección. No sería yo hombre si tu capacidad de mujer no te hiciera doblemente seductora a mis ojos. Olvida los reproches que te dirigí en los primeros momentos de terror, cuando creía que todo iba a desplomarse sobre mí. Te he perdonado, Nora, te juro que te he perdonado.
NORA:
¡Gracias por el perdón! (Se va por la puerta de la derecha).
HELMER:
No, quédate aquí... (La sigue con los ojos). ¿Por qué te diriges a la alcoba?
NORA (Dentro):
Voy a quitarme el traje de máscaras.
HELMER (Cerca de la puerta, que ha quedado abierta):
Bien, descansa, procura tranquilizarte, reponerte de esta alarma, pajarillo alborotado. Reposa en paz, yo tengo grandes alas para cobijarte. (Andando sin alejarse de la puerta). ¡Oh! Qué tranquilo y delicioso hogar el nuestro, Nora. Aquí estás segura; te guardaré como si fueras una paloma recogida por mí después de sacarla sana y salva de las garras del buitre. Sabré tranquilizar tu pobre corazón palpitante. Lo conseguiré poco a poco; créeme, Nora. Mañana verás todo de otra manera. Todo seguirá como antes. No necesitaré decirte a cada momento que te he perdonado, porque tú misma lo comprenderás indudablemente. ¿Cómo puedes creer que vaya a rechazarte ni a hacer cargos siquiera?
¡Ah! Tú no sabes lo que es un corazón que ama, Nora. ¡Es tan dulce, es tan grato para la conciencia de un hombre perdonar sinceramente! No es ya su esposa lo único que ve en el ser perdonado, sino también su hija. Así te trataré en el porvenir, criatura extraviada, sin brújula. No te preocupes por nada, Nora, sé franca conmigo nada más, y yo seré tu voluntad y tu conciencia.
¡Calla! ¿No te has acostado? ¿Te has vuelto a vestir?"

Dolors Martínez

“Casa de muñecas” era una de mis cuentas pendientes desde hacía tiempo. Tengo debilidad por el teatro y todavía no he tenido oportunidad de ver representado este clásico de Ibsen, por lo que me he acercado a ella por medio de la lectura, de momento. Ambientada en el siglo XIX, está ambientada en el ámbito doméstico y protagonizada por Nora, una mujer centrada en cuidar de su hogar y en hacer feliz a su marido. No obstante, todo ello amenaza con tambalearse tras verse chantajeada con motivo de una deuda adquirida tiempo atrás.

Nora se perfila como la clase de mujer que servía de modelo en su época: abnegada en la esfera doméstica, invisible en la esfera pública. Un ángel del hogar, no más que una bella muñeca metidita en su casa. La obra de Ibsen refleja esta realidad y la pone en cuestión. Un texto magnífico.

Ana Rayas

"La gaviota. El tío Vania. Las tres hermanas. El jardín de los cerezos", de Antón Chéjov

FICHA TÉCNICA:

Género: Teatro

Traducción: Isabel Vicente

Editorial: Cátedra

SINOPSIS:

La filosofía de Antón Chéjov, continuador de la gran tradición humanista y democrática de la literatura realista rusa, se forma durante una época en el que el movimiento de liberación pasa al proletariado. El autor refleja las contradicciones de la vida social de su país en las postrimerías del siglo XIX y vísperas de la revolución democrática burguesa de 1905 a 1907.

OPINIÓN:

Buscando un clásico ruso para leer me topé con unas piezas de teatro de Chéjov. Como deseaba, además, una lectura corta/ligera me animé. Las cuatro piezas de las que se compone el libro recrea el ambiente decadente de la sociedad rusa de la segunda mitad del siglo XIX. A grandes rasgos, "El jardín de los cerezos" trata de una familia que pierde su casa y tierras, un lugar en el que se hallan arraigados dolorosos y felices recuerdos de varias generaciones, tras quedarse en la ruina. "Las tres hermanas" versa sobre la existencia de tres mujeres que sueñan con una vida mejor, como cuando vivía su padre, un antiguo cargo militar –la primera escena comienza con el recuerdo del día que murió el padre-. Las tres sienten añoranza de tiempos pasados y sueñan con vivir en la gran ciudad de Moscú que las vio nacer. "El tío Vania" cuenta la historia de un hombre que ha visto pasar su vida mansamente, enamorado de la actual mujer del que fuera su cuñado, cuya tarea se limita a hacerse cargo de la hacienda heredada de su hermana fallecida, junto con su sobrina. Por último, La gaviota, la historia más trágica y la que contiene mayor simbolismo de las cuatro. "La gaviota" representa la desasosegada vida de Konstantín Tréplev, hijo de la actriz de éxito Irina Arkádina y fallido escritor/intelectual y la de la joven Nina, una chica ingenua, aspirante a actriz y enamorada del famoso escritor Trigorin, amante de Irina.
En conjunto, son relatos que presentan unos personajes castigados por la vida, por amores no correspondidos, situaciones cotidianas absurdas, monótonas, cargantes y un destino frustrado. Asimismo, los personajes están bien construidos y el estilo de Chéjov es vivo, fluido y contiene cierto carácter irónico, con lo que se convierte en una lectura entretenida. Hasta ahora, creo recordar que las únicas obras de teatro que leí fueron las obligatorias. Ha sido una grata experiencia leer teatro por cuenta propia, incluso casi divertido (digo casi porque las piezas que he leído contienen su parte de drama).

Dolors Martínez